jueves, 7 de septiembre de 2017

Predilección (1946) La Malquerida.



A veces se realizan juicios demasiado drásticos y si hablamos de películas entonces como las pobrecitas no se pueden defender, vamos con toda la saña y en ocasiones sin razón. Yo creo que las acerbas críticas que recibe esta película son desproporcionadas. Como veis después del filme de Mann del anterior post, sigo con mi política reivindicativa de películas en mi opinión injustamente masacradas por la crítica.
 
 
 
 

"Predilección" es un biopic sobre la familia Bronte, especialmente en las dos hermanas más famosas: Emily y Charlotte. Sus dos novelas más conocidas Cumbres Borrascosas y Jane Eyre ya habían sido llevadas al cine. De Cumbres Borrascosas existía una prestigiosa versión británica realizada en 1920 por los actores más populares en aquel momento de las islas y muy recientemente la producción de Sam Goldwyn dirigida por William Wyller que se convirtió en uno de los grandes éxitos de ese 1939 memorable para Hollywood.  De Jane Eyre que siempre fue una novela menos valorada por la crítica, pero más popular se hicieron muchas versiones en el periodo mudo ya desde sus inicios y había tenido una versión sonora en 1934 de serie B de tan sólo 62 minutos producida por la Monogram. Además justo cuando Warner rodaba Predilección, la Fox estaba a punto de terminar los preparativos de la maravillosa versión dirigida por Robert Stevenson que aquí se estrenó con el título de Alma Rebelde.

Si en las últimas adaptaciones de las novelas se contó con un reparto estelar (Laurence Olivier y Merle Oberón y en Jane Eyre : Joan Fontaine y Orson Welles) no quiso la Warner quedarse atrás juntando a dos de sus principales estrellas femeninas al frente: Olivia de Havilland e Ida Lupino. La biografía al estilo Hollywood de personajes históricos siempre fue uno de los puntos fuertes del estudio. Eran una manera de dar una pátina de respetabilidad a una compañía que era famosa en gran parte por producir los violentos filmes de gangster que hoy conocemos como sinónimo de Warner. Primero con el británico George Arliss y sobre todo con Paul Muni figuras como Disraeli, Louis Pasteur, Emile Zola y Benito Juarez se presentaron ante el gran público con biografías más o menos "basadas en hechos reales" como dicen los monótonos telefilmes que ponen los fines de semana. La moda llegó al punto que hasta MGM por una vez copiara a Warner en su biopic sobre Madame Curie a mayor gloria de la pareja del momento Greer Garson y Walter Pidgeon (Los Minniver).

 
 
Las tres hermanas Bronte. Además de Olivia e Ida la tercera Anne fue interpretada por Nancy Coleman

El encargado de la dirección fue Curtis Bernhardt quién como muchos otros judíos alemanes se asentó en Hollywood. Como la mayoría de los directores teutones tenía fama de dictatorial teniendo sus mas y sus menos con Olivia de Havilland quien parecía estar en permanente lucha con Ida Lupino. Ambas querían ser las reinas del espectáculo, mientras el pobre Paul Henreid intentaba capear el temporal lo mejor que podía. Para Olivia su papel de Charlotte Bronte sería el último en Warner, estaba decidida a abandonar el estudio y esa puede que sea la causa de que su actuación no sea tan redonda como acostumbra. Una vez acabado el rodaje la actriz dio por terminado su contrato con Warner. Pero la productora respondió que el tiempo que esta había estado de baja no computaba así que tenía que hacer por lo menos una película más. Olivia se negó y llevó a Warner a los tribunales. Tres años estuvo sin trabajar, pero la valiente actriz no se arredró y consiguió ganar el juicio. La sentencia que se conoce como "La Decisión de Havilland" fue el primer golpe que recibieron los estudios por sus abusivas prácticas en los contratos y sentó un precedente vital para las futuras relaciones de las estrellas y los estudios de Hollywood.

Esa debió ser la causa por la que la película tardó tres años en estrenarse. La Warner no tenía ninguna gana de publicitar un filme de una estrella que estaba difamándoles. Justo se estrenó menos de un mes después de "La vida íntima de Julia Norris" de Mitchell Leisen producida por Paramount con la que Olivia ganaría su primer oscar. El éxito que logró este filme también ayudó a eclipsar "Predilección" pese a ser un filme más que digno.

Por un lado tenemos la eficiente dirección de Bernhardt quién tenía bastante más talento que lo que habitualmente se dice. Experto en el melodrama, a mi me gusta bastante otro biopic que rodó años después en MGM sobre la cantante de ópera Marjorie Lawrence con unos estupendos Eleanor Powell y Glenn Ford. El director alemán consigue hacer fluido el guion de Keith Winter y que no pese el metraje de la película. Otro de los puntos fuertes de la película es la estupenda fotografía de Ernest Haller uno de los grandes de la época clásica de Hollywood. Especialista en la fotografía en blanco y negro curiosamente el filme por el que es más reconocido es Lo que el viento se llevó paradigma del Technicolor. Es una producción cuidada tanto en vestuario como en decorados y con una brillante partitura de Erich Wolfang Korngold que nos muestra al estudio en su mayor momento de apogeo.




Ya hemos comentado que la actuación de Olivia de Havilland  no está entre las mejores de su carrera, en parte también a que la mayor carga dramática reside en el personaje de Emily Bronte, la más rebelde de las hermanas donde Ida Lupino tampoco es que esté especialmente brillante pese a contar con unas escenas oníricas en las que esté realmente bella. Serán dos caballeros los que eleven el nivel de actuación del filme y claro está que no nos referimos al coprotagonista Paul Henreid que interpreta al pastor anglicano ayudante del padre de las Bronte, con su pesadez acostumbrada. Por lo general suelo ser muy benevolente en mis juicios pero es que no puedo con este actor.




A quién aludía resaltando su trabajo es en primer lugar a Arthur Kennedy que en el papel de Branwell el hermano alcohólico de la  familia Bronte consigue tratar con mesura un personaje tan proclive a los excesos. Incluso llega a dejar un poso de dignidad en un sujeto desde luego poco recomendable. Para entonces Kennedy ya atesoraba un puñado de buenas interpretaciones en el cine de donde había venido desde Broadway gracias a su amigo James Cagney. Luego después de volver de la guerra el actor seguiría teniendo presencia tanto sobre las tablas como en la pantalla. Hoy en día su papel más recordado puede que sea el de reportero americano en Lawrence de Arabia.







Pero sobre todo si esta película merece ser vista es por la actuación  de   en uno de los escasos papeles de época que hizo. Llevaba casi cuatro décadas sobre los teatros más importantes de Londres y Nueva York cuando John Huston lo convenció para que debutara en su primera película como director "El halcón maltés". El orondo intérprete británico contaba con 62 años y una salud precaria pero en menos de una década supo crear magníficos personajes en la pantalla. Aunque mucha menos conocida que sus interpretaciones en la anteriormente aludida "El halcón maltés" y "Casablanca" la encarnación que aquí realiza de William Thackeray es genial. No se me ocurre a nadie mejor para recrear al exquisito escritor.

Los mayores palos que los críticos dan a esta película es su poca verosimilitud histórica. Es cierto pero ese es un mal que tienen la mayoría de películas de este estilo realizadas en la época. No quiero dar ejemplos, pero hay muchos filmes bastante más fantasiosos que este sobre personajes célebres. Es muy probable que la familia Bronte de Hollywood tenga muy poco que ver con la que vivió en los páramos ingleses del siglo XIX, aunque a decir verdad se trataba de personajes tan peculiares que hasta los más metódicos investigadores no han podido dar con una imagen realmente fidedigna de las célebres escritoras, son más las conjeturas que los hechos probados que circulan sobre su vida y sus auténticos sentimientos. Yo la verdad es que pasé un rato muy entretenido viéndola. Considero que es una película muy digna y menos acartonada que otros melodramas de época. Tan falsa como son los sueños de Hollywood...Sueños que prefiero a las pesadillas.


 

jueves, 6 de julio de 2017

"Acorazados del aire" (1955) Más vale prevenir.


 
Hace pocos días se cumplieron veinte años de la desaparición de James Stewart, uno de los actores más importantes de la historia del cine que desarrolló una admirable carrera trabajando con los más prestigiosos directores. Aunque la nómina de estos es muy extensa, ninguno de ello tuvo el relieve de Anthony Mann. No sólo por el número, si no especialmente por los nuevos matices que Mann hizo aflorar al ya veterano actor. También en abril se cumplieron cincuenta años de la muerte de Anthony Mann, un director cuya obra empezó a reivindicarse justamente poco antes de que este falleciera.

Pese a que todavía hay críticos reacios a elogiar la obra de Mann, en la actualidad especialmente en Europa goza de gran predicamento, siendo sus obras más valoradas los western que realizó con Stewart en la década de los cincuenta. Fue tan estrecha su colaboración durante la primera mitad de esa década que juntos no solo rodaron western. También unieron sus fuerzas en la película de aventuras Bahía Negra (1953) y en el biopic musical por excelencia "Música y Lágrimas" (1954) donde Stewart se convirtió en Glenn Miller. La otra cinta que se escapa de las llanuras del oeste es precisamente la que hoy nos ocupa, la penúltima colaboración de Mann y Stewart y probablemente la menos conocida.
         Foto publicitaria de Música y Lágrimas de Anthony Mann con Stewart y June Allyson

                 Stewart ya capitán preparando una misión durante la Segunda Guerra Mundial

James Stewart tenía una "Doble Vida" pero no era una doble vida relacionada con cuestiones amorosas. Su otra vida se refiere al compromiso que tuvo siempre con las fuerzas áreas de su país con las que combatió durante la Segunda Guerra Mundial. La anécdota más famosa que une a Stewart y nuestro país tiene mucho que ver con esto. Se cuenta que cuando Stewart llegó a España invitado por el Príncipe Alfonso de Honelohe y se alojó en Madrid, decidió hacerlo en el mítico Hotel Ritz. Por aquel entonces una norma no escrita del hotel era no permitir alojarse ni a toreros ni a actores. Cuando el recepcionista le dijo a Stewart que no podía alojarlo se cuenta que Stewart le dijo que era el General de la Fuerza Aérea James Stewart, enseñándole sus credenciales. Porque las actividades de Stewart con el ejército se prolongaron a lo largo de los años. Es más el ascenso a general lo había recibido recientemente como le comentó al periodista de ABC Santiago Córdoba en una pequeña entrevista publicada el 15 de noviembre de 1959, justo antes de abandonara el hotel, durante aquél viaje que luego le llevaría a conocer Marbella.
 
 

En la mejor biográfica escrita sobre Mann Jeanine Basinguer afirma que el proyecto de "Acorazados del aire" partió precisamente de Stewart que deseaba que el público conociera el funcionamiento de la SAC siglas de Strategic Air Comand el título original que lleva la cinta. En plena guerra fría quería transmitir como esos enormes aviones servían de vigías ante cualquier amenaza. Por ello debían fotografiarse en todo su esplendor y a la vez también mostrar los sacrificios que los soldados realizaban para que sus compatriotas tuvieran un mundo más seguro. El jefe de la SAC el General Curtis LeMay le proporcionó todas las facilidades posibles para su ejecución.
 



Para lograrlo la industria de Hollywood puso todos los medios a su alcance. Stewart llegó a un acuerdo con la productora Paramount que además vio como esta película podía servir para exhibir las bondades de su nuevo sistema de pantalla VISTAVISION. De hecho esta fue la segunda película estrenada en este formato tras Navidades Blancas (1954). Mientras la película de Curtiz estaba realizada en su mayoría en interiores, la nueva producción hacía gala de las mejores añadidas al sistema que le permitía una nitidez impresionante en el rodaje en exteriores. El encargado de estas maravillosas imágenes fue el veterano William Daniels ligado en la historia del cine al nombre de Greta Garbo cuyos filtros lograron esa idílica imagen de la actriz sueca, pero Daniels tiene una carrera mucho más rica que su colaboración con Garbo. Uno de los puntales en su carrera es precisamente su colaboración con Anthony Mann desde Winchester 73 el primer western que unía a Mann y Stewart. También colaboró con Mann en Bahía Negra. Tierras Lejanas y Música y Lágrimas.
Aunque ya llevara unos años colaborando con Mann, William Daniels fotógrafo por excelencia de MGM ya había coincidido con Stewart cuando este daba sus primeros pasos en la Metro, su primera película juntos fue la mítica Rose Marie, donde interpretaba al díscolo hermano de Jeanette McDonald.
 



Si tenemos ya el director, el cámara y el héroe ¿Qué nos quedaba? La esposa del sacrificado patriota. No podía ser otra que June Allyson, con quién tan buena pareja había hecho con Stewart en "La Historia de Stratton" (1948) y "Música y Lagrimas" ambas grandes éxitos. Nadie mejor para representar el papel de esposa abnegada que a veces se enfada. Lo cierto es que la química entre ambos es perfecta y hoy en día salvo quizás "Mujercitas" (1948) los únicos filmes por los que Allyson es recordada son los que compartió con Stewart. Para mi siempre me resulta un placer verlos actuar juntos y en verdad es junto a la fotografía de Daniels y la música del gran Victor Young (otro cinco estrellas involucrado en el proyecto) lo mejor de la película. Como era habitual en la época de la banda sonora se adaptó una melodía The World is Mine que gozó de bastante éxito grabándose varias versiones, siendo la de la orquesta de Percy Faiht la más popular.
 
El auténtico Stratton con su familia durante el rodaje de su biopic

Lo peor que no es poco es la historia obra de dos reputados autores como eran Valentine Davies y Beirne Lay jr. Un cúmulo de clichés que hace que a veces resulte el filme tedioso y falto de garra. Una auténtica pena pues la posteridad hubiera tratado mucho mejor a este filme que sacrifica todo por presentar un mensaje nítido e inmediato. Lo que sucede es que generalmente no vemos las películas como el resultado del momento en que se hicieron. Era ante todo como dijimos un filme propagandístico que cumplió con sus objetivos. Pese a ello es de agradecer que pese a su argumento no caiga en tintes belicistas ni de corte político. Todos los espectadores sabían quien era el enemigo, pero en ningún momento se le menciona. Eso para mi es elegante, como la propia factura del filme.

¿Merece con todo hoy en día verse esta película? A mi entender si. Tenemos al frente a uno de los mejores (para mi el mejor) actores de todos los tiempos, que ya es mucho, en un espectáculo realizado con la solvencia que caracterizaba a Anthony Mann con una preciosa fotografía y una bella música. Y además sale June Allyson, que para mi es mucho mejor actriz de lo que suele decirse habitualmente y de la que otro día me ocuparé mas a fondo. Es una película bonita, nacida del empuje del General Stewart, el otro yo del mítico actor.
 


viernes, 23 de junio de 2017

"Sus Grandes Ojos Marrones" (1936) Comedia y Balas mezcla perfecta

 
La unión del género policiaco con el de la comedia, siempre ha resultado para mi de lo más estimulante y a decir por la multitud de muestras que hay de este género híbrido, es evidente que no soy el único que disfruta de el. Sería prolijo el enumerar la multitud de ejemplos que hay tanto en la literatura, base de la mayoría de las películas, como de estas mismas.


A todos nos viene al recuerdo, la actuación de Nigel Bruce como un cómico doctor Watson en la serie de títulos que le unió junto a Basil Rhatbone, desfigurando al personaje de las novelas de Conan Doyle, pero creando un personaje cinematográfico que quedó en la memoria de multitud de espectadores. También en las adaptaciones rodadas en los sesenta del personaje de Agatha Cristie, Miss Marple, se acentuaron sus rasgos cómicos por medio de la genial Margaret Rutherford. En cuanto al gran maestro Hichtcock ya desde su etapa inglesa mezcló con sabiduría los crímenes con la comedia.
 


Pero si hay un filme que influyó decisivamente es "La cena de los acusados" (The thin man) donde W.S. Van Dyke llevaba a la pantalla la novela de Dasiel Hammett y convertía en estrellas a sus protagonistas Mirna Loy y William Powell. La repercusión de la cinta fue tal que no sólo motivo una larga serie de secuelas protagonizadas por la pareja durante década y media, sino que hubo muchos otros títulos donde la impronta de este era más que evidente.
 


Hasta en la recia Warner, donde los gangster habían campado por sus respetos desde que se iniciara la década, decidió adoptar el estilo Thin Man para su serie sobre el abogado y detective Perry Mason. Incluso William Powell interpretó otros remedos de Nick Charles en otros estudios menores, tal fue el influjo que tuvo la famosa serie. La Warner llegó incluso a adaptar la novela más famosa de Hammett, El halcón maltés en clave de comedia. La cinta se título Satan whit a lady, protagonizada por el Perry Mason del estudio Warren William y una Bette Davis que todavía no era la reina de la Warner.
 
Dos años después de la cinta de Van Dyke en 1936, la Paramount produjo esta cinta para mi totalmente desconocida, basada en dos relatos del estupendo narrador James Edward Grant, por primera vez llevado al cine y famoso por su colaboración con varios vehículos a mayor gloria de John Wayne. Con ese material se realizó un agilísimo guion obra de Bert Hanlon y de su realizador Raoul Walsh.
Hacía mucho que no frecuentaba este blog, el que es para mí uno de mis directores favoritos, sino el que más, perteneciendo además esta película al periodo menos conocido del director. Walsh que había sido el director estrella de la Fox junto a John Ford vio como su estrella declinaba y pasó casi toda la década de estudio en estudio. Por ejemplo en esta época firmó el primer musical en el que Bing Crosby era auténtico protagonista, en España se tituló Amores en Hollywood y fue producido por MGM, una rara avis pues Bing sería la primera estrella de la Paramount en las siguientes dos décadas y no volvería a la casa del león hasta casi un cuarto de siglo después cuando rodó Alta sociedad, remake de Historias de Filadelfia.
 
 
 
 
Pero volvamos a la Paramount en esta producción de Walter Wanger entonces asociado a la Paramount y que protagonizaba su luego esposa Joan Bennett. En aquel entonces Joan era poco más que la hermana de Costance Bennett, una de las estrellas de RKO que el tiempo ha olvidado. En cambio Joan merced a la aventura de capa y espada de James Whale "El hombre de la máscara de hierro" y de su asociación en los cuarenta con Fritz Lang quien la convirtió en toda una Femme Fatale a permanecido en la memoria de los aficionados. Su fama declinó merced a un escándalo en la que se vio envuelta cuando su marido Wanger, sospechoso de que ella mantenía un romance con su agente, intentó matarlo. Aunque al final no hubo que lamentar desgracias mayores, el consiguiente escándalo acabó con su carrera en la gran pantalla terminando como otras muchas viejas glorias en la televisión.
Por entonces en 1936 Joan estaba realmente radiante luciendo una cabellera rubia que poco después cambiaría por el pelo moreno con el que hizo sus papeles más conocidos. También era algo distinta la apariencia de su pareja en el filme, Cary Grant, con unos cuantos kilos más que restaban sólo un poco de esbeltez a su extraordinario físico.
 
Precisamente su magnífica apariencia no había pasado desapercibida para Mae West quien le dio los primeros papeles de importancia en el estudio. Durante su estancia en la Paramount, Grant había hecho practicamente de todo, sin todavía encontrar ese sello que luego sería inconfundible. Su personalidad empezaría a forjarse en dos títulos rodados muy poco después uno que resultó un gran fracaso que fue La gran aventura de Silvia, pese a ser su primera película con Kate Hepburn y la dirección de Cukor. El segundo fue todo lo contrario, hablamos de La Pícara Puritana con la que Leo McCarey ganó el oscar y donde además de Irene Dunne intervenía el famoso Fox Terrier que interpretaba a Asta en la serie de Thin Man.


Pareciera como si los famosos personajes de Hammett se empeñaran en perseguirnos, algo muy natural tratándose del filme que hoy nos ocupa. Pese a lo dicho en el anterior párrafo que es además lo que opinan la inmensa mayoría de críticos cinematográficos, yo en Sus grandes ojos marrones si que empiezo a ver a un Cary Grant bastante definido, tanto en los momentos más serios donde aporta una gran personalidad como en los de comedia, especialmente en una escena donde valiéndose de la habilidad de su personaje para la ventrilocuia, realiza un divertido diálogo con una mujer inexistente para provocar los celos de su novia. Grant y Bennett acababan de rodar juntos otra película "Casate conmigo si puedes" donde ya se veía la buena química que había entre ambos.
 
Ella trabaja de manicura en un elegante salón de belleza con un público mayoritariamente masculino, pero pronto dejará el empleo para convertirse en avispada periodista por arte de la magia de Hollywood y para ayudar a su novio agente de policía.
El tercero en discordia un delincuente de guante blanco, de aspecto sofisticado, amplia cultura y exquisitos modales, es interpretado por un joven Walter Pidgeon. El actor canadiense que será en la próxima década uno de los actores más populares gracias a su colaboración con la exquisita Greer Garson en La señora Minniver, ya por entonces deja notar su elegancia muy a proposito para el personaje que interpreta.
Su pandilla: burdos, iletrados y violentos es interpretada por secundarios eficaces destacando el sobrio Lloyd Nolan, un termino medio entre el elegante Pidgeon y los pistoleros de barrio bajo.
La película por inverosimil que hoy nos pueda resultar parte de su argumento, sigue hablando de algo que continua siendo una lacra de nuestra sociedad, la corrupción y como esta está instalada en muchas ocasiones bajo la apariencia más digna.Pero esta por supuesto no es ningún filme moralizante. Es un estupendo entretenimiento, elegante y divertido, con alguna gotita de drama. Walsh como siempre imprime un ritmo fluido, con un diálogo vertiginoso que nos hace recordar los de Howard Hawks en La comedia de la vida y Luna nueva. Además introduce unos primeros planos inclinados al principio de la película en la barberia, acción que vuelve a repetir en el mismo lugar y también en el tribunal, logrando un excelente ejemplo de cercanía y dando impronta de autoria a un título que en manos diferentes a las de Walsh seguro no resultaría tan atractivo.
 
 
 
 
Son poco más de hora y cuarto realmente divertidas, pues como he dicho muchas veces una de las máximas del cine de Walsh es que siempre logra entretener al espectador y hasta en cintas menores como estas su obra sigue resultando interesante. Pronto el director volvería a ocupar un lugar cimero al fichar por la Warner y ser el director preferido de sus estrellas masculinas consagradas como Cagney y Erroll Flynn, además de deparar a Bogart su primer gran éxito con El último refugio, pero esa ya es otra historia. Todavía estamos en 1936 donde la pistolas estaban de moda que fueran de la mano de la comedia, eso si, solo en el universo imaginario de Hollywood.
 
 
 
 

viernes, 7 de abril de 2017

Lo que desea toda mujer (1945) La vis cómica de Sam Wood


Como acertadamente decía Terenci Moix en su Historia del Cine, la baja apreciación que se tiene por el trabajo del director Sam Wood, está íntimamente ligado a los prejuicios que pueden motivar sus ideas conservadoras. Este argumento suele ponerse encima de la mesa en el caso de muchos realizadores, llegando a casos como el de John Ford donde además esas calificaciones son absolutamente falsas. Cierto es que Wood fue un prominente propagador de sus ideas políticas al igual que su mentor Cecil B. DeMille con el que comenzó como ayudante en 1916 después de una oscura carrera de actor comenzada ocho años antes.  Sam Wood era uno de esos pioneros que ya estaban plenamente asentados en la maquinaria Hollywoodiense en los años veinte, siendo uno de los directores habituales de Gloria Swason. Aquí también recogía el legado de DeMille pues este era quien la había convertido en la "Reina de la Paramount". No obstante, pese a las oportunidades que le brindó la industria su trayectoria en los primeros años de su carrera es irregular, careciendo sus películas de la perfección alcanzada por otros directores de largo recorrido como Clarence Brown y Victor Fleming, con quienes Wood compartía estudio, la MGM, a comienzos de la década de los treinta.

Una de las películas silentes más famosa de Wood
 
Ninguno de los vehículos que dirigió para estrellas que se acercaban al ocaso como John Gilbert y Ramón Novarro consiguieron repercusión en las taquillas. En el último filme que rodo con Novarro "Una noche en El Cairo" que ya reseñamos en este blog se pudieron ver las excelentes dotes de Sam Wood para el género de la comedia. Algo que se hizo mucho más evidente en las dos películas más exitosas de Los Hermanos Marx , Una noche en la ópera y Un día en las carreras. También tenían sus dosis de comedia dos cintas protagonizadas por Mickey Rooney que acabaron por convertirlo en una de las estrellas principales de la Metro, Uña y carne y Horizontes de gloria donde también intervenía Freddy Bartholomew el otro famoso niño prodigio de la productora. Precisamente en sus orígenes Wood había dirigido al entonces mundialmente famoso Jackie Coogan, quien había sido El Chico en la inmortal película de Chaplin.
 

Pero el auténtico prestigio lo consiguió con Adiós Mr. Chips, desde entonces se dedicó con frecuencia a grandes proyectos, algunos solventados con sobresaliente como "El orgullo de los yankees" otros como "¿Por quién doblan las campanas? Siguen dividiendo a la crítica, aunque todos creen que la producción estuvo por debajo de las expectativas creadas. En ambas el protagonista era Gary Cooper, la estrella por antonomasia del cine americano. Un año después de rodar la adaptación de la novela de Hemingway, Cooper volvió a ponerse bajo las ordenes de Wood en un retorno a la comedia de ambos, un filme amable titulado "Casanova Brown". Wood volvería con Cooper al año siguiente y también a la comedia con la película que nos ocupa. Si con "La indómita" donde volvía a reunir a Ingrid Bergman y Gary Cooper esta vez en el oeste americano, Wood volvía a pinchar, con "Apártate cariño" consiguió una apreciable muestra del género por el que es menos conocido, pero que seguramente mejor dominaba. El productor Jack H. Skirball, puso a su disposición un estupendo reparto encabezado por Claudette Colbert. Don Ameche y el hoy menos conocido pero eficaz Dick Foran. Foran fue un asiduo en las producciones de serie B interpretando a vaqueros cantantes en la Warner. Luego en la Universal protagonizó las dos primeras películas de La Momia (más información sobre Foran en el post http://ramonnovarr.blogspot.com.es/2015/03/la-mano-de-la-momia-1940-la-creacion-de.html) También tuvo un estimable guion de Bruce Manning y John Klorer, que no eran unos guionistas de relumbrón pero que aquí realizaron su mejor trabajo con bastantes escenas disparatadas que nos hacen recordar las diabólicas travesuras de los Marx.
 

Claudette Colbert y Don Ameche ya habían coincidido en un gran clásico de la comedia “Medianoche” dirigida por Mitchell Leisen con guion de Billy Wilder. Sin alcanzar las cotas por supuesto de esa maravillosa película, Apártate cariño sigue constituyendo un divertimento fantástico con dos actores que dominaban plenamente el género. La Colbert ya no tenía la lozanía que en sus inicios la habían hecho interpretar a vampiresas históricas, dirigida por DeMille y vestida por Travis Benton, pero había alcanzado la maestría interpretativa. Versatil como pocas había triunfado en el drama con igual rotundidad, Imitación de la vida y Desde que te fuiste son dos magníficos ejemplos, igualmente acompañó a Henry Fonda en la epopeya de Ford sobre los inicios de Estados Unidos “Corazones indomables” y hasta apareció en una estupenda cinta bélica junto a otros dos de las grandes damas de la Paramount: Paulette Godard y Veronica Lake en “Sangre en Filipinas”. Pero es en el género de la comedia donde brilló con una luz que muy pocas pudieron igualar, sólo con citar Sucedió una noche, Un marido rico y La octava mujer de barba azul, podemos augurar un curriculum como pocos en tan popular y difícil género.

                  Claudette Colbert en dos de sus grandes éxitos El signo de la Cruz y Medianoche
 

La última de estas películas fue dirigida por el gran maestro Ernst Lubitsch, quién asimismo dio a Don Ameche la oportunidad de alcanzar el olimpo de la comedia con uno de los mejores títulos de la historia “El diablo dijo no” junto a la bellísima Gene Tierney. Ameche no tuvo la carrera estratosférica de la Colbert, primero actuó como segundo de Tyrone Power en películas tan populares como Chicago y La banda de Alexander, en una apuesta de la Fox por repetir el exitoso dúo masculino formado por Clark Gable y Spencer Tracy. Su gran oportunidad le vino como hemos comentado en la comedia de Leisen “Medianoche” donde fue cedido a la Paramount y con su encarnación del inventor del teléfono Graham Bell en “El gran milagro”. Después aparecería en varias comedias musicales de la Fox en Technicolor y no volvería a estar en primera línea hasta que fuera dirigido por Lubitsch. Allí Ameche supo estar a la altura del desempeño exigido y dio sobradas pruebas de su maestría en el género.
 

En la cinta que comentamos Ameche vuelve a estar brillante en el papel de un periodista aventurero a quien idolatra su amigo un estupendo Richard Foran, quien a su vez está casado con Claudette Colbert, que no soporta la auténtica veneración que su cónyuge siente por él. Cuando el matrimonio va iniciar la luna de miel que por motivos de trabajo nunca pudieron celebrar, se anuncia la llegada del intrépido amigo. La Colbert vuelve a interpretar el papel de ama de casa que añora un modo de vida más glamuroso, tal como sucedía en Un marido rico de Sturges, aunque en este caso no hay ningún pretendiente millonario de por medio, centrándose los equívocos en el admirado periodista que dista mucho de ser el amigo idealizado por el marido. Tres años después Claudette Colbert y Don Ameche cerrarían su colaboración con un drama de suspense "Pacto Tenebroso" que fue uno de los primeros éxitos del realizador Douglas Sirk en América.
El cámara Joseph A.Valentine con los protagonistas del filme
 
 

 
Aunque es una película filmada sin grandes medios, y sin grandes pretensiones, Lo que desea toda mujer cumple de maravilla con su objetivo de divertir al espectador, merced a su estupendo reparto, el acertado guion y la dirección del Wood más divertido. Un realizador que merece mejor consideración de la que habitualmente se le tiene. No sería un Wilder, ni un Hawks o Lubitsch pero esta comedia está por encima de las firmadas por directores con mejor prensa. Recomendada para todos los públicos, especialmente para las esposas que están hartas de los amiguetes de su consorte, seguro que entenderán la película a las mil maravillas.